Mort de la chanteuse américaine de soul Fontella Bass

La chanteuse américaine de soul,  Fontella Bass, rendue célèbre par son tube "Rescue Me" en 1965, est morte dans  la nuit de mercredi à jeudi des suites d’une crise cardiaque à l’âge de 72 ans.

La chanteuse de soul, Fontella Bass, l’auteure du hit "Rescue Me"-Photo:DR-

La chanteuse est décédée dans un hôpital de Saint Louis (Missouri, centre  des Etats-Unis), sa ville natale, a précisé sa famille, citée par un quotidien   local, le St Louis Today. Selon le journal, elle avait fait une crise cardiaque   le 2 décembre.   "Oui, malheureusement c’est vrai", a confirmé à l’AFP un collaborateur de  la chanteuse qui travaille à l’agence new-yorkaise Universal Attractions.

Parfois comparée à Aretha Franklin, Fontella Bass a émergé la même décennie  sur la scène de la soul et du R&B, enregistrant son premier succès dans le   milieu des années 1960 avec "Don’t mess up a good thing", chanté en duo avec Bobby McClure. Elle avait immédiatement connu un plus grand succès encore avec   "Rescue Me", resté au sommet des charts pendant quatre semaines en 1965. Puis  elle enregistre à Paris à la fin des années 1960 avec l’Art Ensemble of Chicago où joue son époux Lester Bowie. Dans les années 1970 de retour aux États-Unis elle enregistre quelques faces soul puis plus tard avec sa mère Martha Bass, chanteuse de gospel. (AFP)

Fontella Bass, une diva!-Photo:DR-

 

Fontella Bass, 72, Singer of ‘Rescue Me,’ Is Dead

Fontella Bass, the singer whose 1965 hit “Rescue Me” was an indelible example of the decade’s finest pop-soul, died on Wednesday in St. Louis. She was 72. The cause was complications of a recent heart attack, her daughter Neuka Mitchell said.

Fontella Bass: Sister soul!- Copyright: All Rights Reserved-

Ms. Bass was born in St. Louis on Feb. 3, 1940, and learned gospel at the side of her mother, Martha Bass, a member of one of the era’s major traditional gospel groups, the Ward Singers. From a young age she served as her mother’s pianist, but eventually, as an adolescent, got the itch to sing secular music. By the early 1960s she was playing with Little Milton, a blues guitarist and singer with links to the Chess label in Chicago.

After some early recordings with Little Milton’s Bobbin label in St. Louis, she joined Chess and released her first records on its Checker subsidiary in early 1965. The first two, “Don’t Mess Up a Good Thing” and “You’ll Miss Me (When I’m Gone),” duets with Bobby McClure, had modest success on the rhythm-and-blues charts. But her career was made by “Rescue Me,” released later that year.

Driven by a bubbly bass line, it featured Ms. Bass’s high-spirited voice in wholesomely amorous lyrics like “Come on and take my hand/Come on, baby, and be my man,” as well as some call-and-response moans that Ms. Bass later said resulted from a studio accident.

“When we were recording that, I forgot some of the words,” she told The New York Times in 1989. “Back then, you didn’t stop while the tape was running, and I remembered from the church what to do if you forget the words. I sang, ‘Ummm, ummm, ummm,’ and it worked out just fine.”

A major crossover hit, the song reached No. 4 on Billboard’s pop chart and has remained a staple on oldies radio, movie soundtracks and television commercials; Aretha Franklin sang a version of it for a Pizza Hut ad in the early ’90s (as “Deliver Me”).

Thanks very much indeed for the music!-Copyright:All Rights Reserved-

Ms. Bass recorded several follow-up singles for Checker, but all fell short of the popularity of “Rescue Me,” and she then veered toward the avant-garde jazz of her husband, Lester Bowie , the trumpeter of the Art Ensemble of Chicago. She went with the group to Paris at the turn of the 1970s and recorded with it there, but soon returned to the United States.

A 1972 solo album, “Free,” was another commercial disappointment, and Ms. Bass turned to raising her four children with Mr. Bowie. Besides Ms. Mitchell, they include another daughter, Ju’Lene Coney, and two sons, Larry Stevenson and Bahnamous Bowie. They all survive her, along with 10 grandchildren. In Nytimes.com

Although her pop career had largely wound down, she continued to sing occasionally on Mr. Bowie’s records and to perform gospel with her mother and her half-brother, David Peaston. Her marriage to Mr. Bowie ended in divorce, and he died in 1999. Mr. Peaston died in February.

Ms. Bass had long maintained that she helped write “Rescue Me” and was deprived of proper credit and songwriting royalties. By 1990, she said, she was living in near-poverty when her career turned around after she heard “Rescue Me” used in an American Express commercial, and she began to press for remuneration for her work. She sued American Express in 1993, and she said she received a significant settlement.

In 1995 she released “No Ways Tired,” which was nominated for a Grammy for best traditional soul gospel album. Her subsequent releases included “Travellin’ ” in 2001 and “All That You Give,” a collaboration with the British electronic group the Cinematic Orchestra, in 2002.

She rescued herself, she said, when she began to stand up for her rights as an artist.

“It was as if the Lord had stepped right into my world,” she told Newsweek in 1995. “I looked around and got. In nytimes.com

Mort de Ravi Shankar, l’homme au légendaire sitar

Le maître indien du sitar, Ravi Shankar, qui a influencé de nombreux musiciens occidentaux, des Beatles à  Yehudi Menuhin en passant par John Coltrane, est décédé aux Etats-Unis à l’âge de 92 ans, a annoncé mercredi sa famille.  

La musicien légendaire indien, Ravi Shankar, le "sitarman"-Photo:DR-

Le père de la chanteuse de jazz et pop-folk Norah Jones et de la sitariste   Anoushka Shankar est mort dans un hôpital de San Diego, où il venait de subir   une intervention chirurgicale pour le remplacement d’une valve cardiaque.  Le Premier ministre indien, Manmohan Singh, a fait part de sa tristesse et   évoqué la perte d’"un trésor national et d’un ambassadeur mondial de l’héritage   culturel de l’Inde".

"Une ère s’achève. La nation se joint à moi pour rendre hommage à son génie   insurpassable, à son art et à son humilité", a ajouté le chef du gouvernement.  Ravi Shankar, qui vivait en Californie, était né dans la ville sacrée de   Bénarès, sur les bords du Gange, le 7 avril 1920. Il était issu d’une famille   de brahmanes, la plus haute caste dans la complexe société traditionnelle   hindoue.  Le guitariste des Beatles, George Harrison, fut l’un de ses disciples dans   les années 1960 et tous deux collaborèrent ensuite à plusieurs projets,   notamment lors d’un concert de bienfaisance pour le Bangladesh en 1971.  Harrison avait surnommé Ravi Shankar "le parrain de la World Music".     En plein mouvement hippie, curieux de sonorités originales et exotiques,  Ravi Shankar s’était produit au festival de Woodstock (Etats-Unis) en 1969 aux   côtés de Janis Joplin et Jimi Hendrix, devant près de 500.000 spectateurs.

Ravi Shankar et George Harrison dans les années 1970-Photo:DR-

John Coltrane, qui envisageait sa musique comme une quête spirituelle,   tomba aussi sous le charme. Le saxophoniste de jazz, dont l’intérêt pour l’art   de Ravi Shankar se manifesta au début des années 1960, prénomma son deuxième   fils Ravi en hommage au virtuose.   Bien que les sons envoûtants du sitar aient irrigué la pop music depuis   quarante ans, en partie grâce à lui, ils gardent le même pouvoir de fascination   chez les Occidentaux.  Tantôt méditative, tantôt échevelée mais toujours raffinée et complexe,   cette musique construite en partie sur l’improvisation est hypnotique et   mystérieuse, propice au vagabondage de l’esprit, comme hors du temps.  Il avait fait ses adieux aux scènes européennes en septembre 2008 à la  salle Pleyel à Paris, devant un public hétéroclite et en présence notamment de   la veuve de George Harrison.

Sa famille et la fondation Ravi Shankar ont expliqué que Ravi, triple   lauréat des Grammy Awards et nommé par la France commandeur des Arts et des   Lettres, souffrait de problèmes respiratoires et cardiaques.  Selon son entourage, le musicien s’était produit pour la dernière fois en   concert le 4 novembre à Long Beach, en Californie, avec sa fille Anoushka.  Les détails concernant son inhumation seront annoncés sous peu, selon ses   proches.  Sanjay Sharma, dont la famille a fabriqué des sitars pour le musicien   pendant plus de trente ans, se souvient d’un client exigeant mais apprécié.   "C’était le plus grand innovateur en musique. Il voulait révolutionner le   sitar. Travailler avec lui réclamait beaucoup d’exigence mais chaque moment   passé avec lui était un cadeau précieux de Dieu pour notre famille", a-t-il   confié à l’AFP.-AFP

 

Sitar legend Ravi Shankar dies at 92

 

The Beatles and the Rolling Stones experimented with the sitar and helped popularise Indian music. But Ravi Shankar knew western audiences could never fully understand it. The Beatles and the Rolling Stones experimented with the sitar and helped popularise Indian music. But Ravi Shankar knew western audiences could never fully understand it.

Legendary indian musician, Ravi Shankar, he made History-copyright: All rights reserved-

Ravi Shankar was a virtuoso sitar player long before he became a cult for a drug-fuelled hippy generation that found the exquisite music he plucked from the strings a perfect accompaniment to the consumption of marijuana and LSD. Had technology been what it is now, plugged ears would have been listening to him all the way from London to Kathmandu.

The Beatles, who flirted with Indian mysticism for a while (provoking some delicious satire from Private Eye, which called the Maharishi "Veririchi Lotsamoney Yogi Bear"), became seriously fascinated by the sitar and George Harrison took lessons in Indian classical music. The results were limited, Norwegian Wood probably ahead of the others. Not to be left behind, Brian Jones experimented with the instrument as well in Paint It Black. The fad didn’t last too long. The Beatles and Stones moved on to other things. As with Nusrat Fateh Ali Khan in later years, the "fusion" between west and east was only partially successful. But the positives should not be underestimated. The Beatles’ affair with Indian music helped project it to a global audience. There was rarely an empty seat at Shankar’s concerts in the United States and western Europe.
His Bengali parents had inculcated a love of music and culture while their boys were very young. Uday Shankar, the older brother, was a very fine classical dancer and choreographer. He had danced with Anna Pavlova in Paris during the 20s and he rarely compromised his art in order to please audiences unfamiliar with Kathakali and other classical Indian dances. The younger brother was the same in his own field.

"A raga," Ravi Shankar explained to his illustrious fans in the west, "is a scientific, precise, subtle and aesthetic melodic form with its own peculiar ascending and descending movement consisting of either a full seven-note octave, or a series of six or five notes in a rising or falling structure called the Arohana and Avarohana. It is the subtle difference in the order of notes, an omission of a dissonant note, an emphasis on a particular note, the slide from one note to the other … that demarcate one raga from the other."

The response of Harrison and Jones was not recorded, but even if they understood what he was saying it left no trace in their music or the lyrics. The raga did not dominate Sgt Pepper and as the radical music critic of the 70s Richard Merton pointed out in a startling intervention in the New Left Review of all places, the distinction of the Stones lay elsewhere. For him, Under My Thumb, Stupid Girl, Back Street Girl or Yesterday’s Papers were targeting sexual exploitation: "The enormous merit – and audacity – of the Stones is to have repeatedly and consistently defied what is a central taboo of the social system: mention of sexual inequality. They have done so in the most radical and unacceptable way possible: by celebrating it." All that can be said on this front is that making love while listening to Under My Thumb might have been more pleasurable to some men. Women would undoubtedly have preferred the slow rising movement of the Arohana.

It was the great violinist of the western classical tradition, Yehudi Menuhin, who understood Shankar immediately and demonstrated this in a series of joint concerts. I was present at one of them. The occasion was affecting and enjoyable. How could it not be with these two virtuosos in command of the evening? It did not work for me on the musical level.

The origins of Indian classical music, not unlike their western counterparts, lie in the Vedas, the ancient Hindu scriptures of 2,000 years ago. The human voice deployed to recite the Vedas and later aid the temple dancers was paramount before any instruments emerged. During the medieval period the entry of Islam in the subcontinent brought with it a Persian tradition of poetry, painting and music that spread from Afghanistan southwards. Melody and rhythm, rather than harmony and counterpoint, dominated the music from the east.

The Indian tradition remained oral, each composition a gift from the guru to his pupil, and hereditary musical families still dominate classical music in south Asia. Shankar was both pleased and amused by his sudden rise to fame and iconic status in the west. His purist colleagues in India were disdainful. Not him. He spoke of how pleased he was by "the openness, willingness to learn and sincere enthusiasm of western audiences". He meant this, of course, and it was true. But he also knew that the innate knowledge of south Asian music-lovers could not be easily reproduced elsewhere. An all-night open-air concert in lush surroundings on a summer night in Lahore or Delhi, Trivandrum or Dhaka, with the voice of divas competing with the instruments and reaching a crescendo as the dawn light intrudes and they combine for a finale, has no equivalent in the west. Here the constraints of time and money determine the length of a concert.

Indian classical music was born when time barely existed. It developed further within the structures of royal courts and a system of patronage where the ruler or the feudal master determined all. Satyajit Ray‘s cinematic masterpiece The Music Room conveys the obsession and the flavour of that period. Much has changed in South Asia, of course, but all-night concerts still take place. When I was introduced to Ravi Shankar in London after a concert in the early 60s, he he looked at me and asked: "Well?" "Not the same as in our part of the world," was the only reply I could muster. He laughed, a deep throaty laugh. "That it will never be." In The Guardian

 

Marrakech celluloid!

La projection dans la section Coups de Cœur du dernier long métrage du duo marocain Imad et Swel Noury : Elle est diabétique 3, à l’occasion du Festival international de Marrakech se tenant du 30 novembre au 8 décembre, a séduit le public

C’est l’histoire de Haija Fakhita qui, après l’annulation de ses fiançailles, décide de prendre des vacances bien méritées à Marrakech. Rejointe par Leila, venue oublier l’homme qui l’a quittée, les deux femmes sont bientôt rejointes par Kamal, un trafiquant de drogue qui s’installe dans un bungalow voisin… Diffusé en présence réalisateurs et des comédiens Mohammed Bastaoui, Hakim Noury, Amina Rachid et Asmaa Khamlichi, ce film à l’intrigue pleine de rebondissements a fait salle comble et reçu un accueil très chaleureux.

Présenté un peu plus tôt au Palais des Congrès, le documentaire de Katrine Boorman, Me and Me Dad, a permis aux festivaliers de suivre pas à pas plusieurs années de la vie de son père, le réalisateur américain John Boorman, également président du Jury Longs Métrages. Sensible et drôle, le film a offert une plongée saisissante dans l’univers de l’un des cinéastes les plus doués de sa génération.

Entretemps, la marraine de l’Opération Cataracte, l’actrice indienne Sredevi, a effectué une visite très suivie à l’hôpital Antaki. Accompagnée d’artistes marocains et de professionnels de santé, Sredevi a longuement échangé avec les patients, leur offrant tout son soutien. En fin de journée, les amoureux du cinéma se sont retrouvés place Jemâa El Fna pour la projection quotidienne en hommage au cinéma indien. Au programme : Jodhaa Akbar, le dernier long métrage d’Ashutosh Gowariker. Présenté par le réalisateur en personne, le film raconte l’histoire du plus grand empereur moghol, Jalaluddin Mohammed Akbar, et de son épouse la princesse rajput Jodhaa. Ou comment un mariage arrangé peut se transformer en véritable histoire d’amour… Un voyage dans l’Inde du 16e siècle qui a ravi un public décidément amoureux de Bollywood.

La grande actrice indienne Sredevi-Photo:El Watan-

Au Palais des Congrès, l’ouverture du tapis rouge a été une nouvelle fois saluée par une foule nombreuses venue contempler le défilé des stars du cinéma mondial. Renouvelant son engagement auprès du patrimoine cinématographique marocain, la Fondation du FIFM et son vice-président Noureddine Sail, ont  ensuite rendu un hommage historique à Karim Abouobayd. Ce partenaire incontournable de nombreuses productions hollywoodiennes (La Momie, Alexandre le Grand, etc.) est aujourd’hui l’un des producteurs les plus talentueux et les plus expérimentés de l’industrie nationale. A l’issue de cette cérémonie pleine d’émotions, Karim Abouobayd a déclaré : « Cette hommage je le dédie à tous les cinéastes et professionnels du cinéma au Maroc ! »

Le public du Festival a également fait un triomphe à Road to Kabul, le dernier long métrage du Marocain Brahim Chkiri. Projeté en présence du réalisateur et des comédiens Saïd Bey, Abdelrahim Maniari, Rabia Katie et Fatima Bouchan, Road to Kabul décrit la trajectoire de trois chômeurs casablancais qui décident de se rendre en Afghanistan à la recherche de leur ami. Séduit par des acteurs talentueux, cette fable humaniste, mélange de comédie intelligente et de satire sociale, a été ovationné par une salle conquise. Avec un record de 250 000 entrées dans les salles au Maroc pour ce film, le réalisateur s’est dit heureux de pouvoir « réconcilier le public avec le cinéma marocain ».

Au cours de cette journée de folie, deux nouveaux films ont aussi comblé le public à l’occasion de la compétition pour l’Etoile d’Or : L’Attentat du Libanais Ziad Doueiri, adaptation du roman éponyme de Yasmina Khadra, et ID de l’Indien Kamal K.M.

Scène du film L’Attentat de Ziad Doueri, une adaptation du bestseller éponyme de Yasmina Khadra-Photo:DR-

Master class de Darren Aronofsky

Dans le souci d’encourager la production nationale, le FIFM a mis en place une section Coups de Cœur avec trois films marocains dont une œuvre très attendue : Malak, le dernier long métrage d’Abdeslam Kelai, histoire choc d’une fille-mère enceinte bien décidée à garder son enfant. Présent sur la scène du Palais des Congrès avec les acteurs Chaimae Ben Acha et Mohamed Majd, le réalisateur a été longuement ovationné à l’issue d’une projection forte en émotions.

Master Class de Darren Aronofsky

L’autre  temps fort de la journée : la master class de Darren Aronofsky. Devant un parterre d’étudiants, le réalisateur américain de films à succès (Requiem for a Dream, Black Swan) a animé une rencontre pleine d’enseignements. L’occasion pour le cinéaste, visiblement heureux de sa venue au Festival, de revenir sur sa carrière, ses choix et ses projets pour le plus grand plaisir de ses fans.

 A l’honneur depuis le début de cette édition, le cinéma indien a lui aussi, une fois encore, réuni les foules place Jemâa El Fna. Etoile montante de Bollywood, la sublime réalisatrice Zoya Akhtar a présenté son dernier long métrage, You Don’t Get Life a Second Time, en présence des comédiens Kalki Koelchin et Abhay Deol. Sous la forme d’un road trip sensible et plein d’humour, le film suit la trajectoire de Kabir et Natasha, un couple fraîchement fiancé qui décide de partir en voyage avec deux amis. A l’issue des deux heures de projection, le film a été vivement salué par un public conquis, prouvant une fois encore l’irrésistible attrait du cinéma indien auprès des spectateurs marocains.

Fidèle à la tradition du FIFM, le Palais des Congrès a ensuite frémi aux sons d’une foule nombreuse venue admirer l’ouverture du tapis rouge et le défilé des stars internationales dont un habitué du Festival, le réalisateur français Jean-Pierre Améris, primé à Marrakech en 2001 pour son film C’est la Vie.

Devant une salle comble, le cinéaste a présenté hors compétition son dernier long métrage, L’Homme qui rit, en présence de la comédienne Christa Théret et du producteur Thomas Anargyros. Fasciné par cette adaptation du roman de Victor Hugo, le public a longuement ovationné cette fresque historique dont le rôle principal est tenu par un Gérard Depardieu au sommet de sa forme.

Grâce à une sélection de films de grande qualité en provenance du monde entier, les spectateurs ont également découvert deux films projetés dans le cadre d’une compétition plus riche que jamais : Una Noche de l’Américaine Lucy Mulloy et  Mushrooming de l’Estonien Toomas Hussar.