La santé de Muhammad Ali se détériore

L’ancien champion du monde de boxe, Muhammad Ali-Photo:DR-

A l’occasion de l’avant-première du film I am Ali, le 10 octobre dernier, le frère de Mohamed Ali, a confié que l’ancien champion du monde des poids lourds, atteint de la maladie de Parkinson depuis 1984, avait du mal à s’exprimer.

Atteint de la maladie de Parkinson depuis 1984, l’état de Mohamed Ali ne cesse de se détériorer au fil des années, à tel point que son frère confiait en début d’année, que l’Américain ne survivrait pas à l’année 2014. A l’occasion de l’avant-première du film «I am Ali», qui retrace le portrait intimiste de l’un des plus grands boxeurs de tous les temps, Mohamed Ali était absent mais sa famille était bien présente à Hollywood. Rahman, le frère cadet du champion olympique aux Jeux Olympiques de Rome en 1960 a tenu à donner de ses nouvelles.

«Je n’ai pas pu parler à mon frère de ça parce qu’il est malade. Il ne parle pas très bien. Mais il est fier que nous soyons là pour lui. Il a donné sa bénédiction pour ce film», a-t-il confié au Daily Mail. La fille du «Champ» a tout de même tenu à souligner que son père, âgé de 72 ans, allait apprécier le film. «Il ne l’a pas encore vu, mais je suis très impatiente qu’il le voit. Il va l’adorer. Je le sais. Il va pleurer, il va rire. Il va être fier», a-t-elle affirmé. Réalisé par Clare Lewins, la sortie du film est prévue le 25 novembre prochain. In lefigaro.fr

Muhammad Ali’s battle with debilitating Parkinson’s disease has reached the point at which he can barely speak, his brother has revealed.

 

The legendary boxer, 72, was too ill to attend the premiere of a film about his life last week – or to take part in any of the production for it. « I have not been able to talk to my brother about this because he is sick, » Rahman, 71, told the Sunday People at a screening of I Am Ali in Hollywood.

« He doesn’t speak too well. But he is proud that we are here for him. He has given this film his blessing. » »He has not seen the film yet, but I am very excited for him to see it, » Ali’s 46-year-old daughter, Maryum, also said at the screening. « He is going to love it. I know he is. He is going to cry, he is going to laugh. He will be very proud. »

The documentary focuses on the family life of Ali – the three-time world heavyweight champion famed for his quick wit and lightning speed in the ring. Director Clare Lewins pieced the feature-length together using Ali’s own audio journals, as well as oral histories from rival boxers, like Mike Tyson and George Foreman.Muhammad’s son, Ali Jnr, said in January he believed there was « no chance » his father would survive until the end of 2014. « I just want, hope and pray to God that this awful disease takes my dad sooner rather than later, » he said.in independent.co.uk/

 

 

 

Schwarzenegger, de Terminator à « visionnator »

Le Président français François Hollande recevant à l’Élysée, l’acteur et désormais écologiste, Arnold Schwarzenegger-Photo:DR-

En portant haut et fort le combat contre le changement climatique, l’ex-star d’Hollywood et ancien gouverneur de  Californie, Arnold Schwarzenegger, est passé de « Terminator » à « innovator » et   « visionnator », a salué samedi le ministre français des Affaires étrangères   Laurent Fabius.  

« On le connaît comme Terminator mais il est assez rare qu’un Terminator   puisse être en même temps un innovator et un visionnator », a déclaré le   ministre lors d’un « sommet des régions pour le climat » organisé les 10 et 11   octobre à Paris. M. Schwarzenegger, qui a fondé en 2010 l’organisation R 20 « Régions of   climate action », fait partie des initiateurs de ce sommet.     Il a rencontré vendredi le président français François Hollande dans la   perspective du grand rendez-vous climat de 2015 à Paris où la communauté   internationale s’est engagée à sceller un accord ambitieux pour limiter le   réchauffement.

« Le changement climatique, ce n’est pas de la science fiction (…) C’est   bien plus que n’importe quel film. La véritable bataille est ici et maintenant.   C’est le défi de notre temps », a lancé l’ancien héros de films d’action.     Insistant sur les progrès réalisés en matière de développement durable et   notamment d’efficacité énergétique en Californie, Arnold Schwarzenegger a   martelé qu’il n’y avait « pas à choisir entre l’économie et l’écologie », tout en   précisant qu’il avait dû mener une « très grosse bataille » contre les lobbies et   les climato-sceptiques.   En revanche, « ne rien faire coûtera une fortune », et « il ne faut pas   attendre l’Etat ou un accord international pour agir », a-t-il encore lancé.

Une « déclaration de Paris » devait être officiellement signée samedi   après-midi par tous les participants à cette réunion — venus du Québec, du   Nigeria ou encore de l’Etat de Rio au Brésil–, les représentants des Etats   fédérés, des régions et des villes s’engageant à agir concrètement pour lutter   contre le réchauffement climatique. L’objectif affiché est d’atteindre la barre symbolique des 1.000 régions,   villes et gouvernements locaux des cinq continents signataires de cette   déclaration avant la conférence de Paris en 2015.

L’un des dossiers épineux des négociations internationales sur le climat   est l’aide financière aux pays du Sud pour faire face aux effets du changement   climatique. Un Fonds vert est désormais opérationnel pour acheminer cette aide mais   Laurent Fabius a regretté « que les engagements financiers ne soient pas au   rendez-vous ». Le chef de la diplomatie française a précisé qu’il ne contenait pour   l’heure que 2,3 milliards de dollars dont 1 milliard versé par la France et un   autre par l’Allemagne, quand il faudrait « entre 10 et 15 milliards d’ici la fin   de l’année. AFP

 

 

 How Involved Arnold Schwarzenegger Will Be In The Terminator Franchise

 

Courtney made the revelation during a discussion with The Arnold Fans, the online shrine to all things Schwarzenegger, which is a must-visit site for anyone with even a passing interest in Arnie. Courtney was there to promote his upcoming film, Unbroken, but as you’d imagine the conversation soon turned to Terminator. At first he was asked about a possible start-date for the next two Terminator films, before the question was then elongated to include, « Will Arnold be in the sequels in some capacity? » and « Can there be a successful Terminator film without Arnold? » Courtney then gave the answer that all Terminator fans wanted to hear …

« Hard to imagine a Terminator film without Arnold. I guess we start filming – I think the plan is do the next 2 back to back in 2016. »

Jai Courtney’s declaration is the biggest hint yet that Arnold Schwarzenegger will be a part of the next two installments, as he clearly wouldn’t have questioned a Terminator film without the Austrian legend if his presence in it was still up in the air. Meanwhile, Courtney also indicated that Terminator: Genisys won’t get the adult ratings that the first two efforts of the franchise received, and it will instead be aimed at a PG-13 audience. Of course most of us want to see Genisys be given a hard-R rating that will allow it to rival the intense violence and action of its illustrious 1984 and 1991 predecessors, but in today’s modern movie climate that is just not a viable option.

Terminator: Genisys will see Arnold Schwarzenegger return as the Terminator/T-800, whose human tissue has aged, while Jai Courtney will play Kyle Reese, Emilia Clarke has inherited the role of Sarah Connor, Jason Clarke will portray John Connor. The rest of the cast will be rounded off by Doctor Who’s Matt Smith’s, Lee Byung-hun as the T-1000, Dayo Okeniyi, and J.K. Simmons in a mysterious part. Production on the blockbuster finally drew to a close back in August, and Genisys will hit cinemas on July 1, 2015, while its two sequels are planned for May 19, 2017 and June 29, 2018. In http://www.cinemablend.com

 

Décès du légendaire soulman, Bobby Womack

It’s All Over Now( tout est fini, maintenant) est un célèbre hit des Rolling Stones. Mais à l’origine, il n’était autre que celui du soulman, Bobby Womack. Un titre prémonitoire. Car il pourrait faire office d’épitaphe. Bobby Womack, chanteur, guitariste et songwriter( compositeur) américain de soul et rythm’n’blues, est décédé, vendredi soir, à l’âge de 70 ans.

Bobby Womack, the « Great pretender! »-Photo: all rights reserved-

Celui qu’on surnomme « The preacher » (le prêcheur), était l’auteur de tubes planétaires tels que That’s The Way   I Feel About Cha » et Woman’s Gotta Have It . Parmi les admirateurs de la première heure figurent Keith Richards, Rod Stewart, Stevie Wonder, Damon Albarn (Blur, Gorillaz, The Good, The Bad and The Queen) ou encore Ronnie Wood. Fils d’un métallurgiste, Bobby chante dès son plus jeune âge avec ses cinq frères dans un groupe de gospel monté par ses parents et qui joue dans les églises de la région de Cleveland. Le groupe se fait appeler Womack Brothers lorsqu’il enregistre le 45 tours en 1954, puis change de nom pour s’appeler The Valentinos. Sam Cooke les repère et les fait signer sur son propre label, SAR.

The Valentinos se séparent à la fin des sixties, laissant notamment une chanson It’s All Over Now, dont la reprise par le groupe The Rolling Stones va obtenir un succès mondial en 1964. “ J’étais très déçu quand les Rolling Stones ont repris It’s All Over Now. C’était comme ils avaient vole ma chanson. Mais, plus tars, j’ai cessé d’être déçu quand nous( lui et Sam Cooke) avions reçu notre premier chèque de royalities. Cela a tout changé… » confiera plus tard, Bobby Womack au Guardian.

Bobby Womack and former brit pop band Blur, Damon Albarn jamming-Photo: all rights reserved-

Après la mort de Sam Cooke, Bobby Womack se marie avec sa veuve et travaille comme musicien de studio et compositeur à Memphis, où il collabore entre autres avec Aretha Franklin et Wilson Pickett. Sa carrière solo commence véritablement en 1968 et continue malgré des problèmes de santé lié à son addiction à la cocaïne durant les années 1980. Le 2 janvier 2012, il annonce à la presse qu’il est atteint de la Maladie d’Alzheimer ; il avoue ne pas se souvenir des paroles de ses chansons ni du nom de ses collaborateurs.

Parmi les tweets réagissant à la mort de Bobby Womack, celui de Robbie Wood, guitariste des Rolling Stones, était émouvant : « Je suis triste d’apprendre le décès de Bobby Womack. L’homme qui pouvait vous faire pleurer quand il chantait. Et là, il m’arrache des larmes. ». MC Hammer, le grand rappeur de San Francisco, lui rendra hommage : «  Repose en paix, ô légende de la soul music. Celui qui chantait du fond de son âme ! ».

Bobby Womack and Ronnie Wood: « Funk soul brothers! »-photo:all rights reserved-

 

 

Bobby Womack, Royalty of the Soul Era, Dies at 70

Bobby Womack, who spanned the American soul music era, touring as a gospel singer in the 1950s, playing guitar in Sam Cooke’s backup band in the early ’60s, writing hit songs recorded by Wilson Pickett and the Rolling Stones and composing music that broke onto the pop charts, has died, a spokeswoman for his record label said on Friday night. He was 70

Sonya Kolowrat, Mr. Womack’s publicist at XL Recordings, said further details about the death were not immediately available.

Mr. Womack, nicknamed the Preacher for his authoritative, church-trained voice and the way he introduced songs with long discourses on life, never had the million-record success of contemporaries like Pickett, Marvin Gaye, Al Green and Otis Redding. His sandpaper vocal style made him more popular in England, where audiences revere what they consider authentic traditional American music, than in the United States.

But the pop stars of his time considered Mr. Womack royalty. His admirers included Keith Richards, Rod Stewart and Stevie Wonder, all of whom acknowledged their debt with guest performances on albums he made in his later years.

Mr. Womack’s 2012 album, “The Bravest Man in the Universe,” is an avant-garde collaboration with a new generation of musicians. It combines old and new material by Mr. Womack, which the British producer Richard Russell and the alternative rock songwriter Damon Albarn mixed with programmed beats, old gospel recordings, samplings of Cooke and other sounds, some played backward or sped up.

The album earned favorable reviews on both sides of the Atlantic. Rolling Stone ranked it No. 36 on its list of the 50 best albums of the year.

“I don’t understand a lot of the things they were doing,” Mr. Womack said of his collaborators in an interview with The Guardian. “I would never have dreamed of doing stuff like that, but I wanted to relate to the people today.”

Mr. Womack had his first major hit in 1964. He was under contract with Cooke’s SAR label when he wrote the song, “It’s All Over Now,” and recorded it with his group, the Valentinos, which consisted of him and four of his brothers. The song was slowly rising on the R&B charts when Cooke told him that a British band called the Rolling Stones had liked it so much that they planned to record it, too.

The song became the Stones’ first No. 1 single in Britain and their first international hit, while the Valentinos’ version sank.

“I was very upset about it,” Mr. Womack said in an interview. “It was like, ‘They stole my song.’ ”

Later, he said, as Cooke had predicted he would: “I stopped being upset when we got our first royalty check. That changed everything.”

Many of his songs were recorded by others, often with greater success than his own renditions. Janis Joplin included “Trust Me” on her album “Pearl,” the J. Geils Band recorded “Lookin’ for a Love,” which reached the Top 40 in 1972, and Pickett recorded “I’m a Midnight Mover” and 16 other Womack songs.

In 1971 Mr. Womack played guitar on, and helped produce, Sly Stone’s most ambitious album, “There’s a Riot Goin’ On,” now a soul classic.

Bobby Dwayne Womack was born on March 4, 1944, in Cleveland. His father, Friendly, was a steelworker and part-time Baptist minister. His mother, Naomi, played the organ for the church choir. Under their father’s direction, Bobby and his brothers Cecil, Curtis, Friendly Jr. and Harry formed a gospel group, the Womack Brothers, which began touring in 1953.

Sam Cooke, who spent the early ’50s as lead singer of a gospel quintet, the Soul Stirrers, first heard the brothers sing on a visit to Cleveland, when Mr. Womack was about 7. A decade later, Cooke invited the brothers to join him in Los Angeles, where he had his own record company and was a successful secular pop balladeer.

The Womacks were raised to believe that hell awaited gospel singers who sang pop music, Bobby told interviewers, and at first they resisted Cooke’s summons. They made several gospel records for SAR before changing their name to the Valentinos and recording their first secular songs, a decision that caused a lasting rift with their father, until shortly before his death in 1981.

By 17, Mr. Womack was the lead singer of the new group, the youngest guitarist in Cooke’s touring band, and an emerging hit songwriter. His song “Lookin’ for a Love,” a remake of a gospel composition, became a modest hit for the Valentinos on the R&B chart in 1961 (a decade before the J. Geils version). Royalties from “It’s All Over Now” alone reportedly made him financially secure for most of his life.

Then, when he was 20, Mr. Womack’s career hit a wall. The Dec. 11, 1964, shooting death of Cooke, during a dispute with a Los Angeles motel owner, left Mr. Womack without a mentor or a record label. By most accounts, his decision to marry Cooke’s widow, Barbara Campbell, just a few months after the shooting, made him something of a pariah in the music world.

Unable to land a new record contract, Mr. Womack left the Valentinos and settled into backup work for contemporaries like James Brown, Aretha Franklin, Joe Tex, Joplin and a young, little-known Jimi Hendrix. His solo career began to revive in the late 1960s and early ’70s. Two albums he recorded for United Artists in the 1970s are considered soul classics: “Communication” (1971), which yielded the hit “That’s the Way I Feel About ‘Cha,” and “Understanding” (1972), which included “Woman’s Gotta Have It.”

In 1981 he released two of his most critically acclaimed albums, “The Poet” and its sequel, “The Poet II,” which featured several duets with the soul singer Patti LaBelle. He joined the Rolling Stones to sing a duet with Mick Jagger on “Harlem Shuffle,” on the Stones’ 1986 album, “Dirty Work.”

In 2009 Mr. Womack was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame. His marriage to Ms. Campbell, as well as two subsequent marriages, ended in divorce. His survivors include two sons, Truth and Vincent. Although hip-hop stars frequently sampled the soul music of his era, Mr. Womack refused most requests by others to use his recordings in their work, he told a British interviewer in 2004. Despite his well-publicized marital problems and struggles with drugs and alcohol, he said, he remained a gospel singer at heart. “Me being from the old school, I would not say ‘bitch’ on a record,” he said. “I couldn’t face my mother if I did.” In nytimes.com( link: http://www.nytimes.com/2014/06/28/arts/music/bobby-womack-songwriter-and-musician-dies-at-70.html?&_r=0)

 

The reaction following the death of the soul legend, Bobby Womack

RONNIE WOOD:

I’m so sad to hear about my friend Bobby Womack ~ the man who could make you cry when he sang has brought tears to my eyes with his passing.

MC HAMMER

RIP to the « Soul Legend » who sang from his Soul !!!#BobbyWomack « A Woman’s Gotta have it  » !!! #RIP BobbyWomack

Calvin Richardson

R.I.P. Mr. Bobby Womack. You were always one of the greatest in my book. They’ll never be another like you!!

Rose mcgowan

Oh no! Bobby Womack died. He was a fierce artist. Listened to Across 110th Street last night. Really bummed. No voices like his anymore.

 

 

Mawazine, 2,6 millions de festivaliers !

La neuvième et dernière journée de la 13ème édition du Festival Mawazine-Rythmes du Monde a battu son record de fréquentation en accueillant 2 620 000 personnes !

Ce chiffre record a été marqué grâce à la scène de Salé qui attiré la foule pour une soirée mémorable et 100% chaâbi. Le concert de clôture a été animé par trois grands artistes populaires marocains. Pas moins de 230 000  peronnes se sont réunit pour danser et chanter sur les rythmes endiablés de la grande star Zina Daoudia. L’artiste a fait un véritable carton en interprétant ses plus grands succès, repris en chœur par ses admirateurs. Le concert de Daoudia a été précédé par celui du chanteur et violoniste Mustapha Bourgogne ainsi que Hamid Serghini qui ont aussi séduit l’auditoire avec les grands tubes chaâbi en darija et en amazigh.

La soirée de clôture de la scène OLM Souissi a présenté le concert événement de la star américaine Alicia Keys. Considérée comme l’une des meilleures interprètes de soul et R&B, la chanteuse, qui a vendu plus de 30 millions de disques à travers le monde, a imposé sa voix avec brio en livrant ses meilleures chansons au cours d’une prestation qui a réuni un peu plus de 150 000 personnes.
Alicia Keys, qui se produit ainsi pour la deuxième fois à Mawazine, a offert au public un show d’émotions et a invité le violoniste marocain Smail Raziki de l’Orchestre Symphonique Royal a se joindre à elle sur scène. La grande artiste américaine a exprimé sa joie de revenir au Maroc et a salué le public à la fin du concert avec son titre planétaire «New York».

A l’espace Nahda, le festival a été clôturé sous les mélodies et la voix du jeune chanteur, lauréat de la dernière édition de Studio 2M, Youssef Guelzim. Ce dernier s’est produit devant ses nombreux fans et a assuré une excellente prestation. Le public de Nahda a ensuite applaudit et chanté en chœur avec le grand chanteur saoudien Mohamed Abdou. L’artiste a aussi offert au public une superbe chanson en hommage au Maroc et à SM le Roi Mohammed VI.

Sous les rythmes afrobeat du grand Ebo Taylor, le public du Bouregreg est tombé sous le charme du jeu incomparable du guitariste et compositeur ghanéen. « Danse Rabat ! », a déclaré le musicien en présentant ses meilleurs succès ainsi que les titres de son dernier album.

Longuement applaudi, l’Orchestre Hafni de l’Opéra du Caire a ressuscité avec un immense talent le patrimoine de la chanson arabe classique à travers l’interprétation des œuvres immortelles d’Oum Keltoum. Pour cette soirée de clôture, l’Orchestre s’est produit sur la scène du Théâtre National Mohammed V avec la chanteuse et pianiste égyptienne Rehab Metawi et Hayat Al Idrissi, l’une des plus belles voix du Maroc et du monde arabe.

Les grands noms de la scène musicale classique arabe étaient aussi au programme de La Renaissance avec le concert du chanteur d’origine syrienne Badr Rami, acclamé par la foule à l’issue de sa prestation.  Au Chellah, la création « Le Chant des Fleuves » s’est clôturée avec le groupe marocain Oulad Benaguida, qui a offert aux amateurs des chansons inspirées des rives du Bouregreg.

Cette soirée de clôture a aussi réuni des milliers de personnes dans les rues de Rabat à l’occasion de spectacles de rue des troupes Hot 8 Brass Band, qui a magnifiquement fait revivre l’ambiance de la Nouvelle-Orléans ainsi que les Barcelonais de The Always Drinking Marching Band, qui ont véhiculé beaucoup de bonne humeur avec une animation musicale inspirée des fanfares françaises et des Brass Band américains. Les Tambours du Maroc ont quant à eux parfaitement combiné rythmes et chorégraphies, tandis que la Parade Cime a regroupé de jeunes artistes marocains dans des disciplines aériennes époustouflantes.

Diversité, tolérance et ouverture sur le monde, le Festival Mawazine a une nouvelle fois tenue ses promesses. La ville de Rabat a brillé durant neuf jours sous les rythmes du monde. Une 13ème édition totalement réussie !

« Xscapade » posthume de Michael Jackson

Le deuxième album posthume de Michael  Jackson, « Xscape », sort mardi aux Etats-Unis assorti de bonnes critiques, signant les retrouvailles posthumes et lucratives du « roi de la pop » et de ses  fans, cinq ans après sa mort brutale.  

L’album de huit titres inédits est sorti vendredi dans une partie de   l’Europe, lundi en France, et débarquera dans le reste du monde d’ici à la fin   de la semaine. Un premier album posthume, « Michael », avait été publié peu après le mort du   chanteur, qui a succombé en juin 2009 à Los Angeles à une surdose de   médicaments, alors qu’il préparait avec le spectacle « This is It » son grand   retour sur scène. L’album — qui s’est vendu à 540.000 exemplaires, un chiffre modeste pour   le « roi de la pop » — avait été éreinté par la critique et des doutes avaient   même été émis sur l’authenticité de la voix du chanteur.

« Xscape » a été reçu avec plus de clémence. « On ressent immédiatement que   beaucoup de temps (et d’argent) a été passé sur ses chansons et qu’on a pris   soin de les montrer sous la meilleure lumière possible », a notamment écrit le   quotidien britannique The Guardian. Sony, qui a signé après la mort du chanteur un contrat prévoyant la   publication de sept nouveaux albums en 10 ans — inédits et rééditions — a   confié « Xscape » à une brochette de producteurs dans le vent, avec pour objectif   de mettre Michael Jackson au goût du jour. On trouve ainsi la star du R’n’B Timbaland (un proche collaborateur de   Justin Timberlake et Beyoncé), le collectif Stargate (Beyoncé, Rihanna…),   Rodney Jerkins (Black Eyed Peas, Lady Gaga…), Jerome « Jroc » Harmon et John   McClain.

Les titres de l’album ont été piochés dans quarante années d’archives du   chanteur, qui en a enregistré toutes les parties vocales. L’une des chansons, « Do you know where your children are? », évoque de manière très directe le sort tragique des enfants laissés à l’abandon par des   parents alcooliques ou prostitués.  Cinq ans après sa mort, Michael Jackson reste une mine d’or, selon le   magazine Forbes. S’il a vendu l’an dernier moins de disques qu’Elvis Presley et   Johnny Cash, il reste globalement l’artiste générant le plus de revenus à titre   posthume. En 2013, ses héritiers se sont partagés 160 millions de dollars, après   avoir empoché 145 millions en 2012 et 170 millions en 2011.   AFP

 

 Jermaine Jackson: “Michael Jackson’s posthumous album disappoints me”

 The singer expresses his disappointment that none of the late King of Pop’s siblings was involved in the making of the album.

Jermaine Jackson is not a fan of Michael Jackson‘s new posthumous album, « Xscape« . In a new interview with TMZ, the late King of Pop’s older brother talked about the 8-track new record which was executive produced by Timbaland. The 59-year-old star said that he hadn’t listened to the LP in its entirety. « I heard some of the songs, I love ‘Xscape’, but I haven’t heard the whole CD yet so until I hear it I can’t give you an honest opinion. We have nothing to do with that, it’s all the estate, » he told the site.

He then expressed his disappointment that none of Michael’s siblings was involved in the making of the album. « They’re just putting it together the way they want, they don’t contact us, so… » He added that a new Jackson 5 album would be a better idea than another MJ posthumous release, saying,  »Timbaland could have been me. The original Jackson Five back together, on record, what’s wrong with that? And I love Timbaland by the way, nothing against Timbaland, but that could have been us. » « Xscape » will be released on May 13. The project has drawn both positive and negative reviews from fans. Its lead single, « Love Never Felt So Good », has so far peaked at No. 20 on Billboard 100. In aceshowbiz.com

Michael Jackson-Justin Timberlake, duo anachronique

Un single figurant sur le très attendu album posthume intitulé Xcape du King of Pop, Michael Jackson, devant sortir mondialement le 13 mai 2014, est déjà online.

Il s’agit d’un duo entre M J et JT. Entendre, entre Michael Jackson et Justin Timberlake. La chanson s’appelle Love Never Felt So Good. Elle a été dévoilée jeudi lors des iHeartRadio Music Awards, avec Usher à la place de Justin Timberlake. Ce dernier a tweeté un lien sur YouTube, tard jeudi soir, annonçant son duet anachronique avec Michael Jackson.

La chanson avait été enregistrée, il y a 31 ans. C’était en 1983 où Michael Jackson avait écrit, composée et produit le titre ( inédit) Love Never Felt So Good avec le crooner canadien Paul Anka. Mais elle a été revisitée avec le son actuel mêlant la disco-soul des 80s. Analogique et numérique musicalement parlant !

L’album posthume Xcape de Michael Jackson est composé de 8 chansons inédites, il sera publié par la maison de disques Epic Records, filiale  de Sony. « Michael a laissé derrière lui des performances vocales que nous sommes  fiers de présenter à travers la vision de producteurs avec lesquels il a  travaillé ou souhaitait fortement le faire« , souligne le patron d’Epic Record,  L.A. Reid.

K.Smail

 

Hear Michael Jackson and Justin Timberlake’s ‘Love Never Felt So Good‘

Record exec and producer Antonio « L.A. » Reid introduced a brand new Michael Jackson song at the iHeartRadio Music Awards this week by saying, « When I first went into Michael’s archives and heard the in-the-raw version of the song you’re about to hear, I was instantly reminded that, yes, Michael Jackson is the greatest.

 » That song, « Love Never Felt So Good » – which was « contemporized, » to use Reid’s word, with modern instrumentation and a Justin Timberlake guest appearance for the posthumous full-length Xscape, due out May 13th– turned out to be an upbeat, disco-ish pop number that recalled Jackson’s Off the Walland Thrillerradio-friendly dance cuts.

That’s because the song dates back to 1983, the year after Thriller came out. Jackson co-wrote, co-produced and recorded the track with singer-songwriter Paul Anka (« Put Your Head on My Shoulder, » Tom Jones’ « She’s a Lady, » Frank Sinatra‘s « My Way ») around the same time they recorded the 2009 Jackson track « This Is It. » The original demo for the song is online, as is a version of it recorded by Johnny Mathis in 1984. The co-executor of Jackson’s estate, John McClain, worked on contemporizing the Xscape track.
Reid executive produced Xscape, tasking recent hit producers with making the songs he found in Jackson’s archives sound fresh. He enlisted Timbaland as the lead producer and brought in additional producers include Rodney Jerkins, Stargate and Jerome « Jroc » Harmon. The album will come out in standard and deluxe configurations, the latter of which includes the recordings in their original form. In rollingstone.com

Mort de l’acteur Bob Hoskins

L’acteur britannique Bob Hoskins, célèbre pour son rôle dans « Qui veut la peau de Roger Rabbit?« , est mort mardi soir à l’âge de 71 ans, à la suite d’une pneumonie.

L’acteur britannique Bob Hoskins-photo:Dr-

Bob Hoskins s’est déjà essayé à plusieurs métiers lorsqu’il découvre le théâtre à l’âge de vingt-six ans. Il s’impose rapidement dans le milieu, puis décroche des rôles dans des séries télévisées. A la même époque, il commence à apparaître au cinéma dans Up the front (1972) de Bob Kellett, ou Inserts en 1974. Il continue ces allers-retours entre théâtre, télévision et cinéma pendant toute la durée des années 1970, s’imposant comme une figure récurrente et reconnue du paysage audiovisuel britannique.

Dès le début des années 80, la donne change. Il s’impose au grand public grâce à son rôle de gangster dans Racket de John Mackenzie, qui lui vaut une nomination au BAFTA. Il enchaîne alors les rôles importants, apparaissant en manager brutal dans l’expérience The Wall, du groupe Pink Floyd (1982), ou dans les adaptations de grands opéras (Othello). Ces années 1980 sont pour lui un véritable essor, et à mesure que les récompenses arrivent, les grands noms font appel à lui, et les projets ambitieux se multiplient : Cotton club (1984, Francis Ford Coppola), Brazil (Terry Gilliam, 1985) et Mona Lisa (1987, Neil Jordan), avec qui il atteint la reconnaissance ultime, obtenant un Prix d’interprétation à Cannes, un Golden Globes et une nomination à l’Oscar.

Bob Hoskins: so british!-photo:DR-

Bien qu’il excelle dans la gravité, l’acteur n’hésite dès lors pas à se servir de son physique bonhomme pour endosser des rôles plus légers. Il est détective privé dans Qui veut la peau de Roger Rabbit ? (1988, Robert Zemeckis) aux côtés de grands personnages d’animation, puis pirate dans le Hook de Steven Spielberg. Cette apogée lui permet de mettre en chantier sa première réalisation, The Raggedy Rawney, en 1988. Peut-être un peu trop sûr de lui, il participe au désastre Super Mario Bros, dans lequel il tient le rôle principal. Le film est un échec public et critique qui calme alors un peu l’euphorie autour de l’acteur.

Conscient de s’être relâché sur ses choix de carrière, il reprend des rôles importants, et interprète tour à tour Churchill (World War II: When Lions Roared (TV), 1994), Hoover (Nixon, Oliver Stone, 1996) et Nikita Kroutchev (Stalingrad, Jean-Jacques Annaud, 2001). Enfin, 20 ans après avoir incarné Mussolini (Mussolini and I, 1985), il prête à nouveau ses traits à une grande figure italienne en la personne du pape Jean XXIII (Il Papa buono en 2003), toujours pour la télévision. Revenu à une sorte d’équilibre, il semble alors mener sa carrière plus efficacement, diversifiant les genres, malgré son attirance pour les grandes figures de l’Histoire, et poursuivant sa carrière de réalisateur, en signant notamment un segment de Tube Tales en 1999. Au courant des années 2000, il revient même aux films légers et joue dans Coup de foudre à Manhattan (2002), Vanity fair, la foire aux vanités (2005) ou Le Fils du Mask (id.).

Jaime Winstone taquinant Bob Hoskins-photo:DR-

La soixantaine passée, le comédien continue de tourner régulièrement, variant ses choix de carrière par le biais de seconds rôles marquants : caïd dressant Jet Li à l’attaque dans Danny the dog (2005), impresario audacieux dans Madame Henderson présente (id.), avec son amie Judi Dench, puis politicien véreux dans Doomsday (2008) du polémique Neil Marshall. Il retrouve aussi Robert Zemeckis pour le doublage du Drôle de Noël de Scrooge (2009), refait la lutte pour le droit des femmes du côté des patrons (We Want Sex Equality en 2010), pour enfin se tenir, en 2012, aux côtés de Willem Dafoe dans le sulfureux Go Go Tales et de Charlize Theron dans Blanche-Neige et le chasseur, relecture « dark » du célèbre conte de Grimm. Bob Hoskins a gagné, au cours de ses plus de 40 ans de carrière, une place de choix dans les rangs des grands acteurs, de par sa sagesse et sa présence bien particulière. Pouvant être tout aussi bien le plus horrible des personnages que le plus gentil des hommes, il exerce avec brio les multiples facettes de son talent. In allocine.fr

Bob Hoskins: we should remember him for his TV work too

From the adult literacy series On the Move, through to classy literary adaptations, via the odd dodgy geezer or two, the late actor’s small-screen career shares the qualities of his best film work.

 

Bob Hoskins waving goodbye to his fans!-photo:all rights reserved-

Bob Hoskins was a godsend for those TV shows that would feature footage of the work now-famous performers took early on to pay the bills. Shows such as Before They Were Famous. Because before he was on the big screen in films such as Mona Lisa, Who Framed Roger Rabbit? and The Cotton Club, Hoskins had played a removals man who sought help for his illiteracy in On the Move, a Sunday afternoon series of 10-minute dramas (screened in 1975 as part of the BBC’s adult education remit).

This was the start of his TV career. And while audiences – especially in America – may have been amused to see these small beginnings of a subsequently huge career, Hoskins always spoke fondly of Alf, the character who learned to write late in life, in interviews.

There were two reasons for this. First, Hoskins was never one of those actors – of whom his close friend Michael Caine is an example – who, after making it in movies, later appeared on British TV only as a chatshow guest. Grateful to the medium for his early breaks and training in acting to a camera, Hoskins returned to television throughout his career and, although the obituaries inevitably emphasise his cinematic credits, made a succession of significant small-screen appearances over almost 40 years. It was fitting that one of his last major roles, before retiring after the diagnosis of Parkinson’s disease in 2012, had been as a pub-owner – the main character in one episode, a background presence in another – in Jimmy McGovern‘s anthology series The Street.

Singer Cher squeezing Bob Hoskins: « the happy couple »-photo:all rights reserved-

The other reason, though, that Hoskins never disowned his TV work is that On the Move shared the qualities of his best stuff. Whereas most footage in Before They Were Famous type shows is calculated to be bathetic or embarrassing – the Oscar-winning actor who once advertised stubborn-stain remover – the characterisation of a proud man who has desperately disguised his learning difficulties helps to explain, when watched now, why Hoskins went on to become the star he did.

Handed a working-class stereotype (not for the last time in his career), Hoskins gave Alf a vulnerability and poignancy far beyond the requirements of a public information short. Apart from its intended audience of adults struggling with reading and writing, On the Move gained a large secondary following among literate viewers because, even then, Hoskins’ expressive face and growly voice made you want to watch and listen.

As a kind and generous man, Hoskins also appreciated the ideological aspect of the project and treasured letters and comments from people who had sought belated education as a result of On the Move. He may have been thankful as well, at that stage of his TV career, to be playing a man who wasn’t on his way to or from jail. As a short stocky bloke with a wheezer-geezer North London accent, Hoskins was, according to the class-driven stereotyping of the day, frequently cast on the wrong side of the law, as the titles of two early telly jobs – the 1972 drama Villains and the 1974 sitcom Thick as Thieves – vividly illustrate.

A classier early part was in Dennis Potter’s Schmoedipus (1974), one of the writer’s many spiritual-psychiatric fables and not the best of them, but significant because it gave the Potter team a familiarity with Hoskins that paid off when he was chosen as the co-star of the six-part masterpiece Pennies from Heaven (BBC1, 1978). Although the role was yet another criminal – homicidal song-sheet salesman Arthur Parker – this one was original rather than stereotypical, as the show featured Potter’s daring device of actors miming to popular songs on the soundtrack: a premonition of the later karaoke craze, although intended by the writer as a metaphor for lying and hidden inner lives.

Part of the joke on first viewing seemed to be that Hoskins was a particularly unlikely bloke to be singing and dancing but, characteristically, Hoskins soon wrong-footed this assumption by hoofing and crooning for real in one of his stand-out stage appearances: as Nathan Detroit in Richard Eyre’s 1982 National Theatre production of Guys and Dolls.

Bob Hoskins and Helen Mirren in John Webster’s play ‘The Duchess of Malfi’ -photo:all rights reserved-

Hoskins’s theatrical credentials also led to two of his strongest TV performances, playing two of the standout classical baddies: Iago in Jonathan Miller’s BBC production of Othello (1981) and the scheming thug De Flores in Simon Curtis’s version of Middleton’s The Changeling (1993). Both parts demand the paradox of making evil plausible and even attractive and so were perfect for the actor’s unusual combination of likability and menace. Curtis later cast Hoskins as an enjoyable Micawber in 1999’s David Copperfield, a BBC adaptation that was also notable for introducing Daniel Radcliffe in the title role.

Rather less of a credit to Hoskins’ credits were (presumably lucrative) turns in American mini-series as various short and burly historical figures – Pope John XXIII and General Noreiga. But, as he showed by returning to TV for The Street, Hoskins always retained an affection for the box and the feeling was reciprocated.

Most actors would like to be regarded as all-rounders, which is why so many movie stars – such as Tom Hanks or Billy Bob Thornton – occasionally dip into theatre or TV. But Bob Hoskins, who would have reacted to this compliment with a typically self-deprecating comment about also having been « all round », truly was an all-rounder: from adult illiteracy campaigns through Broadway musicals to Hollywood movies, he could do it all, and always watchably. In theguardian.com

 

Christophe Maé en concert à Alger et Oran

Le talentueux chanteur de pop français Christophe Maé, 39 ans, donnera deux concerts événements en Algérie. Le 1^er mai, il se produira à la Coupole Mohamed Boudiaf-Complexe olympique du 5 juillet-, à Alger et le 2 mai, à l’auditorium de l’hôtel Méridien, à Oran.

Ça aurait pu s’intituler « Le Déclic ». Cette illumination soudaine, ce « satori » qui survient sans crier gare et déclenche soudain l’inspiration. Car c’est exactement ce qui est arrivé à Christophe Maé : il y a un an et demi, rentrant d’une tournée triomphale mais épuisante après le succès de son album « On trace la route », Christophe s’est retrouvé à la maison. L’esprit vide, incapable d’écrire ou de composer. Une situation angoissante qu’il décrira plus tard dans la chanson « Ma Douleur Ma Peine » sur ce nouvel album. Parti en famille à la Nouvelle Orléans, pour se changer les idées, voilà soudain qu’il découvre une sorte de paradis musical, un pays où la musique est omniprésente, où les rythmes endiablés scandent aussi bien les jours que les nuits.

De ce voyage naîtra une véritable passion pour la Louisiane, ses harmonies, ses couleurs, ses odeurs, sa joie de vivre. Une passion qu’il exprime dans « Tombé Sous Le Charme », premier single du nouvel album et véritable déclaration d’amour à cette ville meurtrie mais toujours triomphante. A l’image de son clip vidéo, tourné là-bas : une fête au pas cadencé et au son des marching bands, ces orchestres de rue mobiles aux cuivres survoltés. Du coup, le projet a germé. Pourquoi ne pas consacrer une partie de ce nouvel album à la musique de la Nouvelle Orléans ? Après « Mon Paradis », premier album tourné vers la Jamaïque et « On Trace La Route », aux senteurs africaines, ce troisième opus studio sera baigné de la lumière louisianaise, celle des bayous et du zydeco.

D’un nouveau voyage, Christophe ramène d’autres idées de chansons. Comme il dit : « On a traîné dans les clubs de jazz, ça faisait le boeuf partout, des jeunes, des vieux, des musiciens monstrueux, tous d’une élégance rare. J’ai eu envie de retranscrire ce que j’ai vu là-bas. » Naîtront ainsi des titres comme « A L’Abri », ode à l’après Katrina, l’ouragan qui a ravagé la ville à l’été 2005, ou « Ma Jolie », complainte sur le mal du pays scandée de la voix samplée du légendaire bluesman Leadbelly.

Mais, surtout, « Je veux du bonheur », la chanson qui donnera finalement son titre à l’album. Un véritable cadeau, selon Christophe : « J’avais croisé Serge Lama sur une tournée des « Enfoirés », je lui ai demandé de m’écrire quelque chose qui fasse du bien, comme un mantra. Trois mois après, en pleine nuit, je recevais ce texte… » Avec son compère Yodelice, Christophe peaufine la chanson jusqu’à en faire une sorte de slogan élégiaque, d’hymne à l’amour et à la joie.

Une tendre revendication qui imprègne tout l’album, dont la plupart des textes on été concoctés en compagnie de l’ami Mike Ibrahim. Chansons d’amour mélancoliques (« L’Automne », « Ne T’en Fais Pas », « L’Olivier ») ou dédicaces poignantes (« Charly », dédiée à une petite fille tragiquement disparue, ou « La Poupée », joli portrait d’une sdf souvent croisée en bas de chez lui), toutes sont empreintes de cette empathie à la tendresse à fleur de voix, de cette flamme rauque et mordorée qui caractérise Christophe Maé.

Une voix encore mise en valeur par la production de l’album, oeuvre collective de Régis Ceccarelli, Benjamin Constant, Bruno Dandrimont et Christophe Maé, qui serpente entre accordéon zydeco, riffs de cuivre ou guitare Weissenborn. Anecdote : cet instrument hawaïen, cher à Ben Harper, est ici joué par Olivier Gotti, un virtuose découvert par Christophe en train de faire la manche dans la rue… L’album se termine par une version d’ « It’s Only Mystery », B.O. culte du film « Subway » jadis interprétée par Arthur Simms, et chanson fétiche de Christophe : à l’époque où il se produisait dans les bars, c’est avec celle-là qu’il débutait invariablement ses concerts. « Je veux du bonheur » chante Christophe Maé. Une revendication légitime de la part d’un artiste qui s’est toujours donné pour mission d’en offrir.

*La Coupole Mohamed Boudiaf

Complexe olympique du 5 juillet-Alger

Le 1^er mai 2014 à partir de 19h

 *Hôtel Méridien

Auditorium

Le 2 mai 2014 à partir de 19h

Les Genets, Chemin de Wilaya, Route 75 · Oran

Accès : 2000 DA

Réservation 0799990310

Décès de l’acteur Mickey Rooney

L’acteur américain Mickey Rooney, qui   a mené l’une des plus longues carrières de l’histoire hollywoodienne, est   décédé dimanche à l’âge de 93 ans, ont rapporté les médias américains.   

L’acteur américain Mickey Rooney-Photo:DR-

Né Joseph Yule, Mickey Rooney fut l’un des premiers enfants stars au   cinéma, et connut une immense popularité dans les années 30 et 40.     Selon le site TMZ, l’acteur, de santé fragile depuis plusieurs années, est   décédé de mort naturelle. La bible hollywoodienne, Variety, a également   confirmé le décès, sans toutefois en préciser les causes. Mickey Rooney, très apprécié et respecté à Hollywood, n’a quasiment jamais   cessé de travailler. En 2011, il était encore à l’affiche des « Muppets ».

Né le 23 septembre 1920 dans le quartier de Brooklyn, à New York, il était   le fils de deux acteurs de vaudeville itinérants. C’est auprès d’eux qu’il fait   ses débuts en 1922, à 17 mois seulement. Il devient dès 1927 une star du cinéma muet en incarnant pendant huit ans   un personnage comique devenu très populaire, Mickey Mc Guire, dont il prend le   prénom. L’acteur enfant multiplie les tournages et devient l’idole de l’Amérique   avec le film « Andy Hardy » (1937), où il joue le fils de famille turbulent à la   mèche en bataille. Le film comptera 14 suites jusqu’en 1944 et préfigurera les   séries télévisées. Ce rôle lui vaut un Oscar spécial pour « sa contribution   significative à personnifier à l’écran l’esprit de la jeunesse ». Il triomphe ensuite en 1939 avec la comédie musicale « Place au rythme », où   il forme un duo mythique de danseurs avec Judy Garland, qu’il retrouve dans « En   avant la musique » (1940) et « Débuts à Broadway » (1941).

Mickey Rooney et Judy Garland en 1963-Photo: Dr-

L’acteur, devenu également réalisateur, producteur, scénariste et   compositeur, tourne énormément pendant quasiment neuf décennies. Il rencontre   encore le succès en 1957 avec « L’Ennemi public » ou en 1979 avec « L’Etalon   noir ». Mais après guerre son étoile commence à pâlir. Un Oscar d’honneur vient   toutefois récompenser l’ensemble de sa carrière en 1983. En dehors des plateaux, l’acteur connaît une vie sentimentale agitée, se   marie huit fois, divorce six fois, a neuf enfants. Sa première femme n’est   autre qu’Ava Gardner, encore une starlette débutante en 1942 au moment du   mariage… qui dure 16 petits mois.     Il vivait avec sa huitième épouse, Jan Chamberlin, depuis 1978. AFP

Mickey Rooney dies at 93

 

The irrepressible performer Mickey Rooney, who died April 6 at 93, began appearing before audiences at 15 months in his parents’ vaudeville act, singing “Pal o’ My Cradle Days” while sporting a tuxedo and holding a rubber cigar.

Mickey Rooney (1920-2014): Actor Mickey Rooney dies at age 93-Photo: all rights reserved-

So launched a nine-decade career of unapologetic scene-stealing — he could sing, dance, play drums and do pathos, pratfalls and impersonations — that once made him the top box-office draw in the world.

Offscreen, he was lost. “I became as cocky a kid as ever cruised Sunset Strip in his own convertible, exploding with sheer, selfish energy,” he later admitted. His addictions to gambling and drugs and his eight marriages — including one to actress Ava Gardner — left him with debts he struggled to pay

A fixture before the cameras since the silent-movie days, he was a perpetual dynamo who endured an astonishing series of reversals and revivals — honorary Oscars, has-been-dom, bankruptcy, Broadway success. Mr. Rooney appeared in more than 300 films and TV programs, in addition to his work in radio, recording, nightclubs and commercials.

His fame reached its pinnacle in the late 1930s and early 1940s, propelled largely by his role as Andy Hardy in the popular “Hardy Family” film series about the growing pains of an all-American teenager. The Hardy films earned more than $75 million for Metro-Goldwyn-Mayer studios at a time when movie tickets cost about 25 cents.

Mr. Rooney was often paired with Judy Garland — considered his equal in charisma and ability — in vibrant “let’s put on a show” musicals such as “Babes in Arms” (1939) and “Girl Crazy” (1943), many featuring indelible songs by the Gershwin brothers or the team of Richard Rodgers and Lorenz Hart. In addition, he was powerfully effective in dramas including “Boys Town” (1938), portraying a juvenile delinquent opposite Spencer Tracy’s tough-loving Father Flanagan, and “The Human Comedy” (1943), as a small-town telegraph messenger who delivers news of war casualties to parents back home.

One of his most captivating performances was as Puck in the 1935 all-star version of Shakespeare’s “A Midsummer Night’s Dream.” Film historian David Thomson said Mr. Rooney’s mischievous, almost bratty interpretation was “one of cinema’s most arresting pieces of magic.” Mr. Rooney emphasized how easy the part was for him, writing later in a memoir, “I’d never read Shakespeare before or since.”

In approaching roles, he rarely studied more than the outline of a script, even one based on Shakespeare, saying the spontaneity would dry up otherwise. In 1939, Mr. Rooney shared with actress Deanna Durbin a special Academy Award for “bringing to the screen the spirit and personification of youth, and . . . setting a high standard of ability and achievement.” In keeping with the intent of the prize, the statuettes were miniature Oscars.

Judy Garland receives a kiss from Mickey Rooney as she is given a special award Oscar-Photo: all rights reserved-

As he passed through adolescence, Mr. Rooney topped off just over 5 feet tall, and his physical stature and increasing girth seemed to limit his film roles as he aged. After World War II — he was a decorated Army veteran — his stardom collapsed. He was reckless in his personal behavior, appearing drunk and combative in television appearances. He tore through marriages and, for a while, he was reduced to accepting movie roles opposite talking mules and ducks.Yet Mr. Rooney proved capable of compelling portraits of cruelty and poignancy.

On television, Mr. Rooney received an Emmy Award nomination for playing a rotten-to-the-core entertainer in Rod Serling’s “The Comedian” (1957). He also won an Emmy for outstanding lead actor in a limited series or a special for “Bill” (1981), about a man with mental disabilities struggling with life outside an institution.

Starting in 1979, Mr. Rooney starred with former movie dancer Ann Miller in the long-running vaudeville and burlesque tribute “Sugar Babies.” The show brought Tony Award nominations to Mr. Rooney and Miller.

“Mr. Rooney had talent to burn, and he burned it,” film historian Jeanine D. Basinger wrote in “The Star Machine,” a 2007 book about the studio system that made Mr. Rooney famous. “He has done everything there is to do in show business, all with equal success, and it might be said, equal failure.”

Mr. Rooney was born Joe Yule Jr. on Sept. 23, 1920, at a boardinghouse in Brooklyn. After his parents divorced, Mr. Rooney was taken to Hollywood by his mother, and his precociousness won him unusual adult roles.

In one of his earliest films, “Orchids and Ermine” (1927), he plays a little person who propositions screen beauty Colleen Moore between puffs on a cigar. The constant rubbing of the cigar caused one of his baby teeth to fall out.

That same year, he legally changed his name to Mickey McGuire when he was cast in a series of comedy shorts of the same name, based on a popular comic strip.

He starred in nearly 50 of the Mickey McGuire shorts spanning the silent and early sound eras. A financial dispute between the film’s producer and the cartoonist led the young actor again to change his name, to Mickey Rooney. MGM signed him to a long-term contract in 1934 and worked hard to cultivate Mr. Rooney as the personification of brash American youth.

Besides Andy Hardy, Mr. Rooney continued in that vein in films such as “The Adventures of Huckleberry Finn” (1939), “Young Tom Edison” (1940) and “A Yank at Eton” (1942). He also managed a more subdued performance as a raffish horse trainer in “National Velvet” (1944), which made a star of 12-year-old Elizabeth Taylor.

Starting in the 1950s, Mr. Rooney turned to character roles that showcased his range: a helicopter pilot in “The Bridges at Toko-Ri” (1954); Anthony Quinn’s boxing trainer in “Requiem for a Heavyweight” (1962); and a has-been horse trainer in “The Black Stallion” (1979).

The 1961 film “Breakfast at Tiffany’s” allowed Mr. Rooney to ham it up as the bucktoothed Asian neighbor of Audrey Hepburn. Mr. Rooney’s performance, called “broadly exotic” by a New York Times critic at the time, is regarded as an embarrassing caricature today.

Ava Gardner  and Mickey Rooney-Photo: all rights reserved-

After the popular success of “Sugar Babies,” Mr. Rooney received his second honorary Oscar, for “50 years of versatility in a variety of memorable film performances.” His film appearances dwindled to small roles — he was a security guard in the Ben Stiller comedy “Night at the Museum” (2006) — but he continued working through this year.

Besides Gardner, his marriages to beauty queen Betty Jane Rase, actress Martha Vickers, Elaine Mahnken, Margie Lane and Carolyn Hockett ended in divorce. His estranged fifth wife, Barbara Thomason, was killed in a murder-suicide with her lover in 1966. Survivors include his eighth wife, singer Jan Chamberlin, and numerous children. The Los Angeles County Coroner’s Office confirmed Mr. Rooney’s death.

Mr. Rooney’s early roots in vaudeville, his gag-a-second training ground, defined much of his persona. He was fond of lewd jokes and made relentless puns about his height.“I’ve been short all my life,” he wrote in his memoir “Life is Too Short.” “And if anyone wonders what my dying wish will be, they can stop wondering. That will be easy. I’ll just tell them, ‘I’ll have a short bier.’  In http://www.washingtonpost.com

 

Kurt Cobain, déjà 20 ans

« Welcome to Aberdeen. Come as you are ». Le panneau indicateur planté à l’entrée de la ville natale de Kurt Cobain donne le ton, en citant le tube légendaire de Nirvana pour accueillir les fans du défunt empereur du grunge.  

Kurt Cobain, une légende-Photo:DR-

Vingt ans après le suicide du chanteur, cette ville passablement délabrée à   deux heures de Seattle (nord-ouest des Etats-Unis) n’a aucun scrupule à   entretenir la flamme de son plus célèbre enfant, aussi controversé fût-il. « Tout le monde dit: +Oh, Kurt était un drogué, Kurt était un sale type+ »,   déclare à l’AFP le maire d’Aberdeen, Bill Simpson. « Mais vous savez, j’ai   beaucoup lu et étudié le sujet, et c’était un gars avec les pieds sur terre,   très affectueux ».     Kurt Cobain est mort à l’âge de 27 ans, alors que son groupe Nirvana était   au sommet de la gloire avec des titres comme « Come as You Are » et « Smells Like   Teen Spirit », hymnes de la musique « grunge », mélange de punk et de heavy metal. Et c’est presque d’un claquement de doigts que le chanteur est passé des   rues mornes d’Aberdeen au luxe de la villa de Seattle où l’on a retrouvé son   corps, truffé d’héroïne, le 8 avril 1994. Les médecins légistes ont estimé sa mort au 5 avril. Le chanteur s’était   tiré une balle dans la tête.

Club 27

Une pop star disparue prématurément-photo:DR-

A 27 ans, le leader de Nirvana rejoingait ainsi le « Club 27 », cette liste   sinistre d’artistes morts à 27 ans, d’excès de drogue ou d’alcool — Jimi   Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, Brian Jones et, plus récemment, Amy   Winehouse. Comme beaucoup d’autres, sa mort tragique lui a assuré une célébrité encore   plus grande. « C’est comme James Dean: c’était un acteur admiré, et puis il est mort   jeune dans un accident et cela a fait de lui une légende », remarque Gillian   Gaar, auteur d’un livre sur Nirvana. Mais la plus grande tragédie de cette mort prématurée, selon elle, « c’est   le sentiment d’inachevé », déclare-t-elle à l’AFP. Kurt Cobain a formé Nirvana en 1987 avec le bassiste Krist Novoselic. Dave   Grohl, aujourd’hui leader des Foo Fighters, a rejoint le groupe trois ans plus   tard. Nirvana est signé en 1988 par la maison de disques Sub Pop. Mais les   débuts, lors d’un concert au Central Saloon de Seattle, ne sont pas brillants,   comme le rappelle le cofondateur du label, Bruce Pavitt.   « Nous n’étions pas très impressionnés. Le spectacle n’était pas bon et les   chansons n’étaient pas terribles », déclare M. Pavitt à l’AFP. « Mais Kurt Cobain   avait une voix incroyable et on a parié là-dessus ».     Le premier album de Nirvana, « Bleach », sort en 1989. Mais c’est avec   « Nevermind » (1991) et « Utero » (1993) que groupe connaît la gloire.

Overdose qualifiée de 1ère tentative de suicide

En 1992, Kurt Cobain se marie avec Courtney Love. Sa fille Frances naît en   août. Mais le chanteur vit mal le succès et sombre dans la dépression. Son   overdose à Rome, en mars 1994, est décrite par son épouse comme sa première   tentative de suicide. L’annonce de sa mort le mois suivant provoque une onde de choc à Seattle et   dans le monde musical. « La ville entière était en deuil », se souvient M. Pavitt, même si après   l’incident de Rome, « ce n’était pas vraiment une surprise ».Les fans convergent spontanément vers Viretta Park, une zone boisée à   proximité de la dernière maison du chanteur, où un banc couvert de graffitis   fait aujourd’hui encore figure de seul monument funéraire.

Car étonnamment, si le musée EMP de Seattle présente actuellement une   exposition sur Nirvana, aucune plaque, statue ou monument ne sont dédiés à   l’artiste dans la ville. « Bien que les médias soient fiers, bien que l’industrie de la musique soit   fière, je sens qu’il y a toujours des sentiments ambivalents », affirme Gillian   Gaar. Rien de tel à Aberdeen, qui exhibe fièrement une statue du chanteur dans le   musée de la ville, et lui a même dédié un parc, près du pont où il a écrit ses chansons les plus connues. « Il n’était pas de Seattle », souligne à l’envi M. Simpson. « Il était   d’Aberdeen, et quand il est devenu important, Seattle l’a adopté. Et puis il   s’est tué, ou a été tué par la drogue, les armes et tout le reste, et tout à   coup, Seattle a dit: +Oh, non, il était d’Aberdeen! ». Comme bien d’autres, le maire est un adepte de la théorie du complot. « Je pense que quelqu’un l’a tué. Vraiment », dit-il, assurant qu’il est   difficile de tirer sur soi-même avec un fusil.     Gillian Gaar réfute l’idée. « Je n’ai jamais eu le moindre doute sur le fait   que c’était un suicide ». AFP

 

Remembering Kurt Cobain

 

With the 20th anniversary of Kurt Cobain‘s death approaching on April 5, we’d like to celebrate the musician’s vast contributions to music and popular culture by reprinting our 1994 tribute.

Kurt Cobain had gone the way of Jim Morrison and Jimi Hendrix-Photo: all rights reserved-

Cobain was featured on the cover of Newsweek’s April 18, 1994, issue as part of a larger story about the root causes of suicide. From « The Mystery of Suicide, » by David Gelman:The road to self-destruction starts with depression and ends in the grave. But who chooses to die and why? Is it stress? Brain chemistry? A despair rotting the soul? The answers are as varied as the weapons. Cobain’s too-early passing was watershed moment for a generation and for fans of the grunge trend he spawned. He was presented alongside other historical celebrity victims of suicide Newsweek

Gelman spoke to Seattle locals about Cobain’s too-early passing. College student Chris Dorr, 23, found it almost clichéd: « It makes you wonder if our icons are genetically programmed to self-destruct in their late 20s. »

The Poet of Alienation: Cobain’s corrosive songs defined a generation

He’d come to install an alarm system. The irony is that long before electrician Gary Smith found Kurt Cobain’s body, it was clear that what Nirvana’s singer really needed protection from was himself. Cobain wasn’t identified for hours, but his mother, Wendy O’Connor, didn’t need anyone to tell her that it was her son who was found with a shotgun and a suicide note that reportedly ended, « I love you, I love you. » The singer had been missing, and his mother had feared that the most troubled and talented rock star of his generation would go the way of Jim Morrison and Jimi Hendrix. « Now he’s gone and joined that stupid club, » she told The Associated Press. « I told him not to join that stupid club. »

Cobain didn’t overdose like Morrison and Hendrix, of course. But the singer’s self-destruction streak seems to have been bound up inextricably with drugs. In March, while in Rome, Cobain overdosed on painkillers and champagne. Nirvana’s spokespeople insisted that it was an accident, portraying Cobain and his wife, Courtney Love, as stable, happy parents whose drug days were behind them. But the truth about Cobain’s last months was far messier than we’d been led to believe.

On March 18, Cobain reportedly locked himself in a room of his spacious Seattle home and threatened to kill himself; Love is said to have called the police, who arrived on the scene and seized medication and firearms. On April 2, the police were summoned once more—this time by O’Connor, who told them her son was missing. The rumor mill has it that Cobain and Love’s marriage was on the rocks, that his friends performed an « intervention, » and that while Love was promoting a new album by her band, Hole, Cobain was fleeing a rehab clinic in Los Angeles.

According to the AP, O’Connor’s missing person’s report read, in part, « Cobain ran away from [a] California facility and flew back to Seattle. He also bought a shotgun and may be suicidal. » All these dark machinations will make for an uneasy legacy—precisely the sort of legacy he didn’t want. « I don’t want my daughter to grow up and someday be hassled by kids at school, » he once said of Frances Bean Cobain, now 19 months. « I don’t want people telling her that her parents were junkies. »

Nevermind, the Nirvana’s iconic album-Photo: all rights reserved-

Which raises a question: What will they tell Frances Bean? Where her father’s career is concerned, at least, the answer is reassuring. They’ll tell her Cobain and his band hated the slick, MTV-driven rock establishment so much they took it over. They’ll tell her that with the album Nevermind, Nirvana replaced the prefab sentiments of pop with hard, unreconstituted emotions. That they got rich and went to No. 1. That they were responsible for other bands getting rich and going No. 1: Pearl Jam, Soundgarden, Alice in Chains. That Cobain never took his band as seriously as everyone else did—that he once wrote, « I’m the first to admit that we’re the ’90s version of Cheap Trick. But that despite his corrosive guitar playing, he wrote gorgeous, airtight melodies. That he took the Sex Pistols’ battle cry « Never Mind the Bollocks, » mixed it with some twenty-something rage and disillusion, and came out with this lyric: « Oh, well, whatever, never mind. » And, finally, that he reminded his peers they were not alone, though all the evidence suggests that he was.

Cobain was born just outside the desultory logging town of Aberdeen, Wash., in February 1967. (Yes, he was 27, as were Morrison, Hendrix and Joplin.) The singer hated being the crown prince of Generation X, but the fury of Nirvana’s music spoke to his generation because they’d grown up more or less the same way. Which is to say, grunge is what happens when children of divorce get their hands on guitars. Cobain’s mother was a housewife; his father, Don Cobain, was a mechanic at the Chevron station in town. They divorced when the singer was 8.

Drugs and punk

Cobain always had a fragile constitution (he was subject to bronchitis, as well as the recurrent stomach pains he claimed drove him to a heroin addiction). The image one gets is that of a frail kid batted between warring parents. « [The divorce] just destroyed his life, » Wendy O’Connor tells Michael Azerrad in the Nirvana biography Come as You Are. « He changed completely. I think he was ashamed. And he became very inward—he just held everything [in]…. I think he’s still suffering. » As a teen, Cobain dabbled in drugs and punk rock, and dropped out of school. His father persuaded him to pawn his guitar and take an entrance exam for the Navy. But Cobain soon returned for the guitar. « To them, I was wasting my life, » he told the Los Angeles Times. « To me, I was fighting for it. » Cobain didn’t speak to his father for eight years. When Nirvana went to the top of the charts, Don Cobain began keeping a scrapbook. « Everything I know about Kurt, » he told Azerrad, » I’ve read in newspapers and magazines. »

The more famous Nirvana became, the more Cobain wanted none of it. The group, whose first album, 1989’s Bleach, was recorded for $606.17 and released on independent label Sub Pop, was meant to be a latter-day punk band. It was supposed to be nasty and defiant and unpopular. But something went wrong: Nirvana’s major label debut, Nevermind, sold almost 10 million copies worldwide. On the stunning single « Smells Like Teen Spirit, » Cobain howled over a sludgy guitar riff, « I feel stupid and contagious/Here we are now, entertain us. » This was the sound of psychic damage, and an entire generation recognized it.

Nirvana—with their stringy hair, plaid work shirts and torn jeans—appealed to a mass of young fans who were tired of false idols like Madonna and Michael Jackson, and who’d never had a dangerous rock ‘n’ roll hero to call their own. Unfortunately, the band also appealed to the sort of people Cobain had always hated: poseurs and bandwagoneers, not to mention record company execs and fashion designers who fell over themselves cashing in on the new sights and sounds. Cobain, who’d grown up as an angry outsider, tried to shake his celebrity. « I have a request for our fans, » he fumed in the liner notes to the album Incesticide. « If any of you in any way hate homosexuals, people of different color, or women, please do this one favor for us—leave us the f—k alone!… Last year, a girl was raped by two wastes of sperm and eggs while singing…our song ‘Polly.’ I have had a hard time carrying on knowing there are plankton like that in our audience. »

By 1992, it became clear that Cobain’s personal life was as tangled and troubling as his music. The singer married Love in Waikiki—the bride wore a moth-eaten dress once owned by actress Frances Farmer—and the couple embarked on a self-destructive pas de deux widely referred to as the ’90s version of Sid and Nancy. As Cobain put it, « I was going off with Courtney and we were scoring drugs and we were f—king up against a wall outside and stuff…and causing scenes just to do it. It was fun to be with someone who would stand up all of a sudden and smash a glass on the table. » In September ’92, Vanity Fair reported that Love had used heroin while she was pregnant with Frances Bean. She and Cobain denied the story (the baby is healthy). But authorities were reportedly concerned enough to force them to surrender custody of Frances to Love’s sister, Jamie, for a month, during which time the couple was, in Cobain’s words, « totally suicidal. »

Tormented rebel

By last week, the world knew Cobain has a self-destructive streak, that he’d flailed violently against his unwanted celebrity—but the world had been assured that those days were over. Nirvana recently postponed its European concert dates and opted out of this summer’s Lollapalooza tour. Still, spokesmen maintained that Cobain simply needed time to recuperate from the overdose in Rome. They offered a tempting picture: Cobain the tormented rebel reborn as a doting, drug-free father. Even Dr. Osvaldo Galletta, of Rome’s American Hospital, says he believed the overdose was an accident: « The last image I have of him, which in light of the tragedy now seems pathetic, is of a young man playing with the little girl. He did not seem like a young man who wanted to end it. I had hope for him. Some of the people that visited him were a little strange, but he seemed to be a mild sort, not at all violent. His wife also behaved quite normally. She left a thank-you note. »

It’d be nice if we, too, could come away with that image of Cobain and his daughter. And in truth, those who knew the singer say there was a real fragility buried beneath the noise of his music and his life. Still, there are a lot of other images vying for our attention just once. Among them is the image of Courtney Love and Frances Bean Cobain, who are said to have arrived at their home in Seattle, via limo, late Friday. Again: What will people tell Francis? Ed Rosenblatt, Geffen Records president, says, « The world has lost a great artist, and we’ve lost a great friend. It leaves a huge void in our hearts. » That is certainly true. If only someone had heard the alarms ringing at that rambling, gray-shingled home near the lake. Long before there was a void in our hearts, there was a void in Kurt Cobain’s. In Newsweek